「大愚书论」技术不等于艺术（深析版）

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序

人类文明的传承，无外乎技术和艺术两个层面的不断积累。

技术的进步，主导了物质文明的发展历程；艺术的发展，则影响着精神文明的发展方向。

但在某些领域，技术和艺术往往呈现在同一件事物上，比如书画领域。

一幅书画作品，究竟是技术的成果还是艺术的结晶？笔者试图从其属性入手，做一个简单的分析，愿与诸君商榷。

1．技术的概念

技术，是要解决实用的问题，比如，汉字取代了结绳纪事，绘画让人物风景得以存留。写字与绘画需要技术，这种技术越纯熟，字画作品也就越美观。

《卖油翁》里讲了一个道理：所有技能都能透过长期反复苦练而达至熟能生巧的境界。坚持不懈地去模仿一幅字帖，不但可以写出接近字帖的字形，而且可以写得很熟练；以求真求像为终极目标去画人物像，也能画得越来越接近真实的人物面貌。但从本质上来说，这类书画作品都是技术成果，它解决的仍然是实用的问题。

在书画领域，如果已经有了明确的至高追求，比如说：无限接近字帖原貌的馆阁体，无限接近描摹对象的工笔画，都属于技术，掌握了要领，努力练习，和卖油翁的绝技并没有什么差别。

我们需要技术，因为技术可以提升物质生产的投入产出比，虽然文字可以传递信息与情感，但是在书写这个环节，技术可以让字体符合基本的审美标准；绘画则可以事物的样貌得以存留。

2．艺术的萌芽

当技术纯熟以后，就逐渐生产了艺术。

比如说，早期的陶瓷，是一种实用工具，但是在上面刻上花纹，就有了艺术的成分。当汉字体系成熟以后，就出现了篆书、隶书、楷书、行书、草书这五大体系，尤其是草书，已经没有了森严的法度，书写起来可以呈现书写者的内心精神状态，以及人文修养，这样的字就有了艺术含量。

那么，是不是有艺术含量的东西就可称为艺术呢？

显然不是。因为当一幅作品的艺术含量极低的时候，其本质上仍是技术成果。比如说，我们不能把一只普通的碗称做艺术品，因为在其生产过程中，勾勒花纹在所有工序中比重极低，主要的是碗的生产过程。

玉雕高手一般被称为“玉雕工艺大师”，“艺”的前面总要加一个“工”字，也说明了玉雕这个工作虽然有艺术的成分，但是更多的是“工”，也就是说，非常耗时耗力，需要非常细心地去雕琢才可完成。

很多人会把难度看做高度，认为玉雕是个技术门槛很高的工种，所以称得上是艺术。但是一件事情难做，是因为事情本身有着极高的要求，但是只要掌握了技术要领，就能一步步去完成，这类工作，本质上还是技术范畴。难度高的工作，可以凭借科技的进步来完成，比如工业革命以来，大量高难度的工作都交给了机器，但是机器永远也完不成有高度的工作，所以艺术品也无法批量生产。

在漫长的生产活动中，人类在征服难度工种的同时，也在不断开创有高度的新成就。也就是说，当技术纯熟到一定程度，就有了艺术的萌芽。

3．艺术的概念

艺术是一种超越实用的精神层面的创作。

比如说，从实用的角度来看，馆阁体的书法是最实用的，素描和工笔画最接近真实的描摹对象，也最实用，但是随着艺术含量的逐步增加，当书画作品的创作变成以艺术主，那么这作品也就达到了艺术品的高度。

超越实用，向美学进发，就是艺术的方向。

在书画领域，艺术含量决定于三个方面。

其一是对基本美学的传承与发展。

艺术是反对规则的，但真正的艺术品并不是天马行空的胡涂乱划。从表现上看，著名的书画作品，都有着不够规范之处。中国画有“乱柴乱麻”的术语，不是用来批评，而是一种境界，即在凌乱处呈现美丽的东西。再比如，中国书画术语“屋漏痕”、“折钗股”、“锥画沙”都是一种不规范的状态。但是不规范中透出一种美感，这是因为，虽然不规则，但是却符合了基本的美学原理，比如说，书法中的“疏可走马，密不透风”，画面的布局、对称、黄金分割点的运用，开与合、明与暗、大与小、远与近，黑色的浓与淡、干与湿、深与浅，形成的反差，自然会营造出一种视觉美感。

那么又一个问题出现了，对于作画来说，从技术的角度去看，最大的规则，就是和要画的对象相似。那么，这个规则要不要突破呢，当然需要，否则，任何画家都比不上一台照相机。

突破这个规则，也就是说，画的比例不再追求真实。不求形似，但求神似。则山河草木，俱可呈现出内在的生命力。

中国宋代以前，欧洲文艺复兴之前，绘画均是求真求像。后来东西方绘画领域均突破了这一规则，中国有了徐渭等人的写意作品，西方则有了印象派作品，梵高的作品《向日葵》、《星空》，这些作品所绘物品的外形均有了很明显的变化，但是却又符合了美学要求，产生了巨大的视觉冲击。可见，东西方绘画由“技术”到“艺术”的发展路径完全一致。

其二，是对传统人文精神的传承与发扬。

儒家、佛家、道家，构成了中国传统文化的基本样貌和价值判断。儒家的“合而不同”、佛家的“虚空”、道家的“无为”等精神追求，也影响了中国书画艺术风格的发展走向。在传统文化的熏陶下，画面的布局都契合传统文化的价值观念，比如画面的留白等。很多事物都被赋予的某种文化内涵，例如，“竹菊梅兰”象征着君子的人格，牡丹象征着富贵，等等。在同一幅书法作品中，同一个字的多次出现，也往往会做出不同的处理，以避免雷同。

相对而言，西方受基督文明的影响较深，基督文明强调的是平等，这种平等意识有利于个性的张扬，所以西洋画用色大胆，有着强烈的色彩对比。

其三，是创作者本人精神与思想的流露。

艺术之所以不能批量生，是因为作品上带有人工创作的气息。

人们喜欢悬挂书画家创作出来的作品，却对打印出来的复制品没有兴趣，就是因为前者有人的气息、气韵、精神。前文提到的文化，每个人都有自己的理解和感悟，同一位书画家，在不同的精神状态下，不同的艺术阶段，创作的作品也有着不同的样貌与风格。例如颜真卿的《祭侄儿稿》，用笔之间情如潮涌，书法气势磅礴，纵笔豪放，一泻千里。枯笔迭出，足见其书写时悲愤交加，已顾不上及时醮墨，却更显苍劲流畅之意蕴，英风烈气见于笔端，遂成绝响。

毕加索的《呐喊》，以一系列破碎的意像重新组合起来，用以激发人们潜意识里的思想状态，画出来的作品才可成为诠释内心精神状态的孤本。

反推过去，可知这幅传世名作，均是在创作者特写的精神状态下挥笔而就。如果说前文提到的，在美学框架下反规则、传承传统人文精神仍是遵循了某种既定的法度，那么，创作者本人个人气息的融入，则在根本上将艺术和技术区别开来。也就是说，不同的工匠可以生产出相同的玉雕，但不同的书画家却注定各有风格，这种风格，就彰显了每个人所特有的精神气质。

4．技术与艺术的辩证关系

技术与艺术的区别：技术有规则、按照既定程序去练习，可以由生到熟，由熟到巧，重在制作，解决的是美观、实用和高效的问题，不需要灵感与思想，可以批量生产；艺术无规则，强调心性的发挥，重在创作，解决的是精神需求的问题，需要灵感与思想，无法批量生产。

技术与艺术的联系：艺术需要技术做基础，中国的书画艺术讲究的是用笔和用墨，需要有长期的练习过程，才能掌握正宗的笔法，使书画作品具备相应的厚度、质感和色彩丰富度，才能承载起艺术所应具备的美学特征、哲学思想和个性化表达。

不同的书画种类，其艺术属性也有很大差距。一般来说，越是要求规则的书画品类，艺术发挥空间越小，成为艺术品的可能性也就越小。

在书法领域，例如，小篆笔画粗细、线条走向、字形都完全一致，有着极为森严的法度，艺术含量最低，楷书次之，楷书有了线条粗细的变化，但结字方式仍非常严谨，发挥空间有限。最能彰显艺术水准的，当属草书。

在绘画领域，从画法来说，求真求像的素描、工笔画、界画都受到了严格的限制，追求的极致相当明确，艺术含量极低；从题材方面来说，道释画、宣传画因其有了固定的感情倾向，也没有足够的发挥空间，也只是“技术作品”。

例如北宋张择端的《清明上河图》，其本质是一幅市井风情画，虽然其文化、考古价值非常高，但整体艺术价值却比较有限。

大愚，号虚空，中国传统笔法、星云图创始人。其用笔如作篆籀，洗练凝重，遒劲有力，在行笔谨严处，有纵横奇峭之趣；是致力于探索与书画有关的笔墨学者，喜明代徐渭之风，研究黄宾虹“五笔七墨”独特画风，探索传统笔墨与宇宙星云的碰撞、开创星云图新领域；其代表作有：18米惊世长卷《新富春山居图》、12平方米巨幅《万壑奇峰图》、传统笔墨《拟黄山汤口》《秋鸿》，创新星云图系列《十方空间》《创世之柱》《迷踪》等。